PREMIO DEL JURADO TEMA ENFOQUE ‘HACIENDO VISIBLE LO INVISIBLE’

Programa Viernes17 de Marzo, 6.30 pm, Teatro Raúl Juliá

Programa Sábado18 de Marzo,10.30 am-12.30 pm, Taller1-2

 

Para ser considerado para el premio, se invitó a los artistas a exponer de que forma sus obras abordan el concepto "hacer visible lo invisible". ¿Es en el tema de la obra? ¿En su contenido coreográfico? ¿En el tratamiento del movimiento por parte de los bailarines? ¿o en la metodología de montaje? Trece artistas sometieron propuestas. De estas, ocho piezas fueron nominadas para el premio el cual se presentará en la GALA del Festival el viernes 17 de marzo.

 

Our Planet Destiny, China  (10:00)

La obra busca transmitir un mensaje de esperanza para que haya menos contaminación, destrucción y guerras en el mundo. Para darnos cuenta de que nuestro destino está interconectado, debemos esforzarnos por vivir en armonía con la naturaleza. El mundo debería estar más unido, como una familia.  La película explora la civilización y el universo.

Dirección: Li Chen

Dirección de fotografía: Zhang Yi

Coordinación de producción: Li Meina, Liu Qi y Chen Shiyi

Producción en vivo: Ye Mingsheng

Edición: Li Chen

Colorista: Liu Tian

Coreografía: Li Chen, Li Meina, Liu Qi, Chen Lixiang, Yizhaerjiang Yi Mingjiang, Wang Meiyi, Chen Shiyi, Li Jingjin, y Mo Lin

Bailarines: Li Chen, Li Meina, Liu Qi, Chen Lixiang, Yizhaerjiang Yi Mingjiang, Chen Shiyi, Li Jingjin y Ye Mingsheng

Música: Li Jiang  e Interior Crevice de Li Chen

Producción: Colegio Creativo de la Academia de Danza de Beijing

Locación: Huangshi, Hubei, China

LI CHEN: “La película metaforiza el sustento del espíritu después de la muerte de los seres humanos. Hay una costumbre tradicional en China llamada 'funeral'. Es decir, después de que una persona muere, todos los familiares acompañan el ataúd recorriendo una larga distancia a lo largo de un camino de montaña, cantando canciones y golpeando gongs en el camino, y finalmente se entierra en la tierra ofreciendo paz. Me preocupa mucho el sustento emocional entre las personas. Sin embargo, las luchas políticas, las guerras, el daño al medio ambiente por parte de las personas para satisfacer sus propios intereses y el daño entre las personas continúan apareciendo en los círculos internacionales y sociales, etc. El destino de todos está estrechamente relacionado, debemos eliminar las guerras y explorar juntos una conciencia  interestelar del universo. Este punto de vista me permite generar un diseño que emerge lentamente combinando la tierra, los cuerpos, las ramas que revela los misterios del universo y la regeneración de la vida, vivimos juntos en la desesperación, nuestro futuro traerá luz y esperanza, etc. “

 

A Butterfly is Knocking on the Window, República Islámica de Irán  (7:49 mins)

Una casa en ruinas con el cristal de la ventana roto: metáfora de las mujeres perjudicadas por su familia o la sociedad. Las heridas no siempre se manifiestan como cicatrices visibles.

Dirección, guión, producción, vestuario: Mohammad Hasani

Asistencia de dirección: Bita Asadolahi

Reparto:  Reyhaneh Esmaeili, Neda Naser, Atefeh Moghadasi, Zahra Raesi, Shila Shahraki, Helia Allahverdi, Nazanin Mahour y Ebrahim Abdi

Montaje y diseño de sonido:  Abbas Mohammad

Dirección de fotografía: Mohammad Sadegh Darvishamiri

Gerente de proyecto y producción:  Mohammad Hosein Tafreshi

Fotografía fija:  Sina Faham

Producido en el Instituto Artístico Cultural Bayan Asr

MOHAMMAD: “Hace años, en una de las provincias de Irán (Isfahán), se roció ácido en la cara de una niña y la mitad de su cara quedó dañada (nunca supimos quién lo hizo). Posteriormente, la niña dijo en un breve discurso: “Esta cicatriz en mi rostro puede sanar con el tiempo y la cirugía, pero esta herida que me ha causado este incidente dentro de mí nunca sanará”. Podemos extender esto a todas las heridas que las mujeres ven de diferentes maneras en mi país y nunca vemos las heridas dentro de ellas. Esta película trata de adentrarse en esto y representar sus heridas.”

 

The Ongoing Process of Trying to Make Sense, Alemania (16:00). ESTRENO MUNDIAL

El proyecto se centra en el hacer artístico y la experiencia estética que emerge. Los procesos de cuestionamiento y búsqueda de sentido amplían la conexión con lo que resulta satisfactorio y unificador para los artistas. "Pongo a prueba mi percepción y me pongo en situaciones en las que intérprete, cineasta y receptor se encuentran por igual en el proceso; surgen una serie de parábolas sobre los modos de representación, experiencia y cognición" (MK, artista creador).

Dirección, intérprete y encargado de todos los aspectos de la obra: Martin Klukas

 MARTIN: “El proyecto se centró en el hacer artístico y la experiencia estética que emerge. Los procesos de cuestionamiento, búsqueda y búsqueda de significado amplían la conexión con lo que me satisface y unifica. Pongo a prueba mi percepción y me pongo en situaciones en las que el actor, el cineasta y el destinatario se encuentran por igual. La película muestra movimientos, materia y acústica en un lugar abandonado. Aquí se activa el espacio y el objeto, lo que puede conducir a otras perspectivas acerca de lo que es ‘real’. Cada uno de estos objetos dejó algún tipo de inter-acción entre ellos y yo. Las esculturas animadas, el movimiento y la interacción a menudo se crean en estrecha proximidad. La decisión de cómo lo trato surgió más o menos intuitivamente y, a veces, entre el azar y el control.”

 

YOU WALK, GRECIA (3:01)

La obra se inspira en la letra de la canción de Lauri Anderson "You walk...and you don't always notice it, but you're constantly falling. With every step...you fall..." para explorar los bloqueos ocultos que siguen obstaculizando el camino hacia la inclusión y la diversidad. Los cuerpos diversos se están haciendo visibles a los ojos de la sociedad, pero invisibles para su infraestructura.

Dirección: Demy Papathanassiou

Reparto principal: Demy Papathanassiou y Ersi Ladaki

Compositor: Menanto Chamberlain

Escenografía: Ana Gabriela Webb-Sánchez

Videografía: George Vlahonikolos

Asistente de montaje: Eleanna Giasemi

DEMY: “La inspiración artística para este trabajo proviene de Atenas como una ciudad inaccesible para las personas discapacitadas y de mi experiencia en la ciudad. Imágenes del caerme, literalmente, emergen de esta experiencia. La pared de cristal como elemento escenográfico permite que los bailarines existan entre ser vistos y no vistos. Vivo en este tipo de contradicción. Por un lado, me veo obligada a habitar un 'espacio invisible', pero eso me da un fuerte deseo a través del trabajo de volverme visible para todos. Para mí con mi constitución el tiempo es muy concreto, es muy discreto, es rítmico, se trata de pasos, ya que cada paso va acompañado del ritmo marcado por las muletas. También se trata del tiempo que me lleva completar las tareas debido al esfuerzo/energía del pensamiento que tengo que ejercer, lo que hace que la percepción del tiempo sea diferente. El trabajo examina el compromiso del coreógrafo para desafiar las estructuras regulatorias ocultas en la coreografía contemporánea. Estoy interesada en emprender acciones que disuelvan las actitudes que funcionan de manera invisible contra el ‘baile inclusivo’.  Se centra en el acceso y habitabilidad del espacio del bailarín con diferentes capacidades. Las preguntas coreográficas que plantea la obra son: ¿cómo construimos activamente un espacio para que los diversos cuerpos estén presentes y visibles, con representación y participación en la creación de nuestra sociedad moderna? Todos los elementos anteriores de la obra, incluido el tratamiento del movimiento por parte de los bailarines, así como los elementos no humanos (en este caso, los escombros y las paredes) contribuyen a la idea de Hacer visible lo invisible.”

 

First, Last, Francia (19:00) ESTRENO MUNDIAL

Trata sobre los primeros y últimos momentos de una historia de amor entre dos personajes: Paul y Jeanne. En este cortometraje se invita al público a adivinar lo que ocurre en esos momentos a través de la danza. El movimiento es la clave para conectar con ellos. A partir de los arquetipos de dos seres humanos enamorados, se revelan dos puntos de vista diferentes: ¿cómo estos "primeros" y "últimos" momentos pueden llevar su relación hacia otra dirección, hacia algún lugar que no esperamos?

Dirección, guión, elenco principal: Charlotte Nopal

Producción: Compagnie Attention Pailletters y Kestu Producer

Elenco: Gaetan Jamard, Julien Ramade y Cyril Durand Gasselin

Equipo de vídeo: Gabriel Courty-Villanúa

 CHARLOTTE: “First Last the Dance Series trata sobre los primeros y últimos momentos de una historia de amor entre dos personajes: Paul y Jeanne. En esta serie propongo al público adivinar qué sucede en esos momentos a través del arte de la danza.[…] En este nuevo mundo, hecho de comportamientos en las redes sociales , todos experimentamos otros. Pero, ¿cómo podemos realmente encontrar la conexión emocional? La danza tiene el poder de conectar aún más a las personas. Primero, crea un vínculo entre los bailarines. Luego, invita a la audiencia a conectarse con los bailarines, y viceversa. Por último, la danza nos conecta con nuestros propios sentimientos, llevándonos al momento presente. Y así, al igual que el amor, nos conectamos. Inspirándome en todas esas reflexiones, quise crear una historia donde el movimiento es la clave para la conexión…”

 

Éist, Irlanda (4:59)

En Éist se nos invita a escuchar al bailarín. Se trata de un cortometraje experimental creado para explorar la musicalidad de la danza de percusión. La banda sonora es el resultado de una colaboración entre la bailarina irlandesa Stephanie Keane y el concertista Cormac Begley.  A través del sonido y el movimiento, Éist explora la experiencia interna del bailarín tradicional contemporáneo y aborda temas más amplios como la identidad, la autenticidad, el desafío y la reivindicación.

Dirección, guión, coproducción, música y reparto principal: Stephanie Keane

Producción: Bonnie Boyle

Dirección de fotografía: Alfie Hollingsworth

Música: Cormac Begley

Producción musical: Moises Mas Garcia

STEPHANIE: “Éist saca a la luz la musicalidad de la danza percusiva, despojándose de la técnica de interpretación esperada y centrándose en el sonido de la danza. Haciendo visible la voz del bailarín.”

 

My Body has a Story to Tell, Azerbaiyán (21:50)

El documental de danza explora la conexión invisible entre los cuerpos, “la comunicación entre personas con y sin discapacidad a través del lenguaje corporal universal, el papel de compartir historias en un entorno seguro y sin prejuicios y el arte como medio de curación". La película está producida por "IsArt Production" con el apoyo de la Fundación Heydar Aliyev y por iniciativa de "DanceAbility Azerbaiyán" y la Asociación Pública "Desarrollo Regional".

Nihad Isa: Dirección, Guión, Producción

Nigar Sultanova: Guión, Producción

Emin Guliyev, Director Ejecutivo

Burhan Arslan, Director de Fotografía

Nijat Isayev, Director de Arte

Ozge Kutukchu, Asistente director de arte

Elchin Shukur, Editor

ELENCO: Azer Shukurlu, Amina Ismayilova, Elvina Aliyeva, Fatima Gardashova, Huseyn Kangarli, Jumshud Sultanov, Miray Sultanli, Natavan Alili, Nigar Mammadova, Nigar Sultanova Rizvan, Nigar Sultanova Nizami, Nigar Ibrahimbayli, Nihad Isa, Nuru Mulkumzada, Ramal Ibrahimov, Rufan Akbarov, Sahiba Asgarova, Ulviyya Garayeva, Yusif Majnunov, Zarifa Babayeva, Gunel Aliyeva, Daughter of Rafael Aliyev, fallen soldier in Nagorno-Karabakh’s liberation, Jeyhun Abdullayev, Veteran of Nagorno-Karabakh’s liberation.

Asistente de dirección: Chinara Vahabzada, Hasrat Ramazanov

Studio:Promix (Toofan), Director de Sonido

Vestuario: Tamasha Isayeva, Ozge Kutukchu

Maquillaje: Polina Tkachenko

Asistente Escenografīco: Elvin Yusifli

Focus Puller: Vusal Suleymanov

Asistentes de Cámara: Anar Nasrullayev, Elmir Guliyev

Luminotecnicos: Gunduz Amrahov, Rahman Rahmanov

Editor texto: Mehriban Efendi

Narración: Murad Allahverdi, Nigar Sultanova

Técnicos: Elnur Abdullayev, Amir Novruzov

Fotógrafo: Emin Mirkarimov

Transporte: Shamil Babayevi

Música: “Life and Death”/Balanescu Quartet, “Leaving”/Chet Baker, “Ces”/ Ben Nestor,

“Red and Black Light”/Ibrahim Maalouf
Agradecimientos: Zagatala Executive Power, Filming Azerbaijan
Con el respaldo de Heydar Aliyev Foundation.

En Memoria de Nasib Shamkhalov, nuestro bailarín, quien falleció víctima de Coronavirus, días antes de la filmación del documental.

NIHAD: “Hacer visible lo invisible ha sido una lucha importante para mí. Creo que muchos matices del carácter humano están ocultos en movimiento. El movimiento no sólo como danza sino también como pensamiento. El movimiento como diferentes líneas de pensamiento. El movimiento como memoria, como la vida de cada uno de nosotros. La idea de esta película nació de esta necesidad. Ser capaz de visibilizar las historias que cuentan los cuerpos.”

 

Silo, Francia (5:00)

Un claroscuro revela criaturas que descubren su entorno con gestos instintivos. Advertidas por ecos metálicos, se reúnen en manada mediante una coreografía cadenciosa, revelando una vulnerabilidad propia del ser humano. Entre el control y el colapso, sus cuerpos se precipitan en una carrera frenética.

Dirección y guión: Jérémie Bouillon

Coreografía, guión, reparto principal Compagnie Yasaman: Sarah Adjou

Reparto principal: Aurore Mettray, Anna Beghelli, Adrien Lichnewsky y Maxime Joret

Reparto clave: Maé Nayrolles, Chiara Corbetta y Maureen Mouttou

Música: Sebastien Brun SARAH: “Silo es un cortometraje que pone en escena a un grupo de criaturas que se descubren a sí mismas ya su propio entorno. La dualidad entre la realidad y la alucinación es ambigua ya que sus sentidos y su conciencia se desdibujan: no recuerdan sus orígenes y cómo terminaron todos juntos en este lugar. Esta obra aborda la idea de “Hacer lo Invisible” porque el sonido, la música y la luz estimulan y manipulan a los protagonistas como un narrador invisible omnisciente, llevándolos a comprender su situación o engañándolos. Son como criaturas primitivas deficientes visuales que buscan puntos de referencia a través del movimiento, lo que les permite tomar conciencia de su individualidad, su grupo y su condición. La forma en que está escrita esta pieza logra mantener invisibles la mayoría de las claves de interpretación, para ir desvelándolas progresivamente a lo largo de toda la película.”